blog de Choc

Invité le 16 septembre 1965 à présenter un concert de musique sacrée en la cathédrale de la Grâce de San Francisco qui se dresse au sommet de Nob Hill, Duke Ellington inaugura un genre inédit de musique sacrée : le “Sacred Concert”, sorte d’oratorio au sein duquel cohabitent le jazz, le gospel, le blues et la magie ellingtonienne. Le Duke connaissait l’histoire d'un jongleur, qui, au Moyen Age avait exprimé sa gratitude à la Vierge en dansant devant sa statue. Outre deux chorales, il fit donc appel à un danseur de claquettes. « In the Beginning God », Au commencement Dieu…, trois mots sur lesquels s’ouvre la Bible du roi Jacques, fournirent le thème principal du concert, une composition qu’Harry Carney introduisait au saxophone baryton. Le programme comprenait bien sûr Come Sunday, un extrait de “Black, Brown and Beige”, et The Lord’s Prayer, gospel porté avec ferveur par l’orchestre au complet.

Un Second “Sacred Concert” vit le jour le 19 Janvier 1968 devant 6 000 personnes en la cathédrale Saint-Jean l’Evangéliste (St. John the Divine) de New York et fit l’objet d’un enregistrement studio chez United Artists trois jours plus tard. Presque toutes les compositions étaient nouvelles. Il débutait par Praise God confié là encore au saxophone baryton de Carney. Le très remarqué Supreme Being fut composé à cette occasion, de même que Something about Believing, The Shepherd, Heaven (chanté par la soprano Alice Babs), Meditation (duo qui réunissait Duke Ellington au piano et Jeff Castleman à la contrebasse), et It’s Freedom (contribution du Duke à la lutte de son peuple pour l’obtention de ses droits civiques). Introduit par Alice Babs (en photo avec Ellington), le final, Praise God and Dance, s’inspirait du psaume 150. Jimmy Hamilton, Paul Gonsalves et Cat Anderson étaient les principaux solistes de cet acte de foi.

Mal préparé avec un Duke Ellington déjà malade (il devait disparaître quelques mois plus tard), un troisième “Sacred Concert” fut créé à Londres, à Westminster Abbey le 24 octobre 1973.

Tous ces morceaux et d’autres encore, seront joués le mercredi 1er octobre, à Paris, en l’église de la Madeleine. Porté par cinquante deux colonnes corinthiennes lui donnant un air de temple grec, son architecture massive étonne toujours les visiteurs. Napoléon voulait en faire un temple maçonnique dédié à la raison. Le bâtiment faillit être transformé en gare ferroviaire en 1837 et, pour finir, devint une église en 1845. Éduqué par la Bible, mais aussi franc-maçon, Ellington dont l’indicatif des concerts de son orchestre était Take the ‘A’ Train aurait sûrement apprécié y faire jouer sa musique. De son vivant, il donna un concert de musique sacrée dans une autre église parisienne, à Saint Sulpice en décembre 1969. Plusieurs mois de préparation, des travaux coûteux, une estrade spéciale, une sonorisation pointue et une resquille record écartèrent tous bénéfices autres que spirituels raconte l’organisateur de la manifestation, le regretté Philippe Koechlin, dans ses “Mémoires de Rock et de Folk”.

Souhaitons que pareille mésaventure n’arrive pas à Laurent Mignard, grand responsable de cette résurrection ellingtonienne. Enthousiasmé par les “Sacred Concerts” qu’il donna ces dernières années, le Duke Ellington Center for the Arts de New York présidé par Mercedes Ellington, la petite fille de Duke Ellington, a commandé au Duke Orchestra, l’orchestre de Mignard, une tournée des Musiques Sacrées d’Ellington dans les cathédrales de France. Pour la lancer, Laurent a décidé de frapper fort. La foi ne soulève t-elle pas des montagnes ? Pas moins de 80 artistes sur scène à la Madeleine : le Duke Orchestra au complet (en citer les membres serait fastidieux), mais aussi l’ensemble Les Voix en Mouvement que dirige Michel Podolak, les chœurs Gospel Attitude et White Spirit, le chœur de La Celle Saint-Cloud et de prestigieux invités. Chorégraphe du “Sacred Concert” de 1968, Mercedes Ellington en sera la récitante, Emmanuel Pi Djob, Nicolle Rochelle et Sylvia Howard les vocalistes et Fabien Ruiz le danseur de claquettes.

Dans sa grande bonté, le pape François a promis un an d’indulgence à tout possesseur de billets. Toujours souffrant, Monsieur Michu a déjà pris le sien. Qu’attendez-vous ? Pour une fois que le ciel nous fait perdre la tête…

Une chanteuse, une vraie. Elle enthousiasme a cappella, maîtrise parfaitement le scat, possède une voix très juste et compose d’excellentes chansons. Célèbre au Danemark, elle y a enregistré six albums, les deux derniers avec le même trio, Jacob Christoffersen au piano, Morten Ramsbøl à la contrebasse et Moorten Lund à la batterie, musiciens que rejoignent ici quelques invités. Enregistré sur trois jours à Copenhague, “Face the Music”, son septième, est aussi réussi que “Don’t Be So Blue”, son précédent, le premier disque d’elle que j’ai écouté. Des concerts en juin et octobre 2011 au Sunset et au Sunside me convainquirent de son talent. Outre ses propres morceaux, Sinne Eeg chante des standards et nous en offre ici de somptueuses versions, comme celle, en apesanteur, de What are You Doing the Rest of your Life de Michel Legrand. Alan & Marilyn Bergman en ont écrit les paroles. “Face the Music” s’ouvre avec What a Little Moonlight Can Do que la chanteuse introduit en scat, la batterie seule marquant le rythme. Il révèle la grande sensibilité de son pianiste qui séduit par ses choix harmoniques, les couleurs qu’il pose sur la musique. Arrangé par Jesper Riis, le morceau accueille sa trompette et un saxophone ténor, les deux instruments assurant les riffs à l’unisson. Dans Taking it Slow, une composition de Thomas Fonnesback, la contrebasse de ce dernier est seule à servir la chanteuse. On les retrouve toujours en duo dans une étonnante version de Caravan qui conclut l’album. Car les morceaux de bravoure ne manquent pas, la voix phrasant et sonnant comme un instrument. Aussi à l’aise dans les ballades que sur tempo rapide, Sinne Eeg y excelle. Avec puissance dans Somewhere, tendresse dans Crowded Heart qui bénéficie également de son scat, rythme dans I Draw a Circle dont l’arrangement réserve un chorus de bugle. Et puis il y a cette joie qu’elle parvient à transmettre, une joie que cet opus solaire diffuse de bout en bout.

-Harold Mabern en trio au Sunside le 5 et le 6 avec John Weber à la contrebasse et Joe Farnsworth à la batterie. Comme Phineas Newborn son mentor, originaire comme lui de Memphis, Mabern pratique un piano virtuose, joue un bop puissant aux lignes mélodiques élégantes. Né en 1936, il travailla avec Miles Davis, Lee Morgan, Sonny Rollins et fut membre du Jazztet que co-dirigeaient Art Farmer et Benny Golson.

-David Virelles au Sunside le 9. On l’a découvert dans de récents albums ECM de Chris Potter et de Tomasz Stanko. Il y joue un piano sensible et ses notes sont des couleurs qu’il pose sur la musique. Né à Cuba, il possède une vaste culture qui lui permet de briller dans des contextes très différents. Diplômé du Humber College de Toronto, il a également étudié l’instrument avec Barry Harris et la composition avec Henry Threadgill qu’il admire. Reiner Elizarde à la contrebasse et Eric McPherson à la batterie seront ses partenaires pour ce concert parisien.

-Donald Brown en trio au Duc des Lombards le 12 et le 13 avec le solide Darryl Hall à la contrebasse et Kenneth Brown, son fils aîné, à la batterie. Auteur de mélodies chantantes, orchestrateur émérite et excellent pianiste, Brown aime le blues, celui de Memphis, sa ville natale. Attaché au vocabulaire du bop et à la tradition, il en nourrit sa musique, ses improvisations. Funky ou ternaire, le rythme y tient une place prépondérante.

-Chanteuse dotée d’une voix rauque et puissante, Molly Johnson est attendue au New Morning le 17. Elle sort un nouvel album “Because of Billie”, un hommage à Billie Holiday, des chansons enregistrées le plus souvent en une seule prise avec ses musiciens habituels – Robi Botos au piano, le fidèle Mike Downes à la contrebasse et Terry Clarke à la batterie. Elle en reprendra de larges extraits, avec humour et malice car elle sait mettre le public dans sa poche. Elle peut aussi se montrer bouleversante dans les ballades. Le répertoire de Billie Holiday en contient de nombreuses. On peut compter sur Molly Johnson pour les chanter avec émotion.

-Entouré de ses musiciens habituels – Jean-Luc Aramy (contrebasse) et Vincent Frade (batterie) –, Rémi Toulon retrouve le Sunside le 18 avec un invité, l’harmoniciste Sébastien Charlier. Ecoutez “Quietly” le dernier album du pianiste, un disque aux mélodies attachantes et aux reprises bien choisies. Le numéro de mars de Jazz Magazine / Jazzman en contient la chronique.

-Le 19 au Sunside, Xavier Desandre Navarre fête la sortie de “In-Pulse” (Jazz Village), disque réunissant d’excellents musiciens parmi lesquels Stéphane Guillaume (saxophone, flutes, clarinette basse), Emil Spanyi (piano) et Stéphane Kerecki (contrebasse). Tous ont répondu présents pour assurer ce concert, mettre en musique les images, les souvenirs qu’évoquent les musiques du batteur / percussionniste. Enregistré dans une seule pièce avec des musiciens proches les uns des autres dans les mêmes conditions qu’un live, cet album dans lequel le rythme sert la mélodie est une des bonnes surprises de cette rentrée.

-Le 20 au Sunside, Franck Amsallem fête également la sortie de son nouvel album “Sings Vol.II”. Comme son titre l’indique, le pianiste se fait aussi chanteur, reprend de belles pages du Great American Songbook, des mélodies de Frank Losser (merveilleuse et tendre version de Never Will I Marry), Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Irving Berlin, Henry Mancini mais aussi des pièces de Tadd Dameron, Antonio Carlos Jobim, de quoi contenter les plus exigeants. Je vous reparlerai prochainement de ce disque enregistré en trio avec Sylvain Romano à la contrebasse et Karl Jannuska à la batterie. Tous deux seront bien sûr présents au Sunside pour fêter la sortie de cet opus qui me tient particulièrement à cœur.

-Toujours le 20, mais au Triton, club qui programme souvent des musiques nouvelles et improvisées, le pianiste Benoît Delbecq nous confiera en avant-première la musique de son prochain disque enregistré en juin dernier pour le label Songlines. Avec lui Miles Perkin, jeune bassiste canadien, et Emile Biayenda qui tient la batterie dans “Phonetics” (2004) et “The Sixth Jump”, un album de 2010 célébré dans ces colonnes. Depuis bientôt vingt-cinq ans, le pianiste invente une musique savante et onirique qui hypnotise rythmiquement et brille de mille couleurs.

-Qu’il fasse allégeance au hard bop, au blues ou au funk – Brother Stoon qui donne son nom à son premier album – Baptiste Herbin étonne par la qualité de son jeu de saxophone (tant à alto qu’au soprano) et la maturité de son écriture. S’il se plaît à jouer plusieurs sortes de musique, il privilégie toutefois l’héritage afro-américain, aime les jam sessions, les rencontres au sein desquelles il brille par ses notes torrides, son jeu fougueux et tonique. On attend une suite à “Brother Stoon”, un disque qui a déjà deux ans. Habitué des clubs de la rue des Lombards, Baptiste se produira au Sunset le 22 avec Renaud Gensane (trompette), Maxime Fougères (guitare), Sylvain Romano (contrebasse) et Benjamin Henocq (batterie).

-Après des concerts en juin au Duc des Lombards, Dominique Fillon se pose au Sunside le 23 pour jouer son dernier disque, “Born in 68” (Cristal Records), un opus électro-acoustique dont les compositions toutes originales plongent dans le groove. Malgré l’absence du guitariste Yuri Toriyama qui apporte beaucoup à Friends and More, pour moi le meilleur morceau de album, le pianiste peut compter sur Sylvain Gontard à la trompette, Antoine Reininger à la basse et Francis Arnaud à la batterie, pour faire vivre sa musique.

-Sinne Eeg au Sunset le 27. Elle séduisit un public clairsemé dans cette même salle en juin 2011. “Don’t Be So Blue” (Red Dot Music), le disque qu’elle venait alors de faire paraître, m’avait interpellé. Son nouvel album, “Face the Music” (Stunt Records), sort le 22 septembre. Cette chanteuse danoise impressionne par la justesse de sa voix de mezzo-soprano. Disposant d’un large ambitus, elle swingue avec souplesse et maîtrise un scat qu’elle possède original et attachant. Ses musiciens sont loin d’être manchots. Le batteur Morten Lund joue avec Stefano Bollani dans plusieurs de ses disques et le pianiste Jacob Christoffersen fournit un accompagnement appréciable à la chanteuse. Morten Toftgard Ramsbøl complète la formation à la contrebasse.

Après “Patience” enregistré avec le pianiste James Taylor, le plus subtil des pianistes britanniques, Stéphane Kerecki retrouve ce dernier au sein d’un quartet que rejoint la chanteuse Jeanne Added dans Jamais je ne t’ai dit que je t’aimerais toujours que Serge Rezvani écrivit pour “Pierrot le Fou” de Godard, et dans La chanson de Maxence, composée par Michel Legrand pour “Les Demoiselles de Rochefort” de Jacques Demy. Vous l’avez compris, le bassiste puise ici son matériel thématique dans les musiques de films de la Nouvelle Vague. Sensible aux ambiances que délivrent ces mélodies un peu tristes souvent associées à des tonalités en mineur, il les arrange de façon très ouverte, leur donne de nouvelles couleurs harmoniques, une autre respiration. Les thèmes servent ainsi de support aux improvisations des musiciens dont il a fallu redistribuer les voix, les morceaux n’ayant pas toujours été conçus pour être repris par des jazzmen. Habitué aux audaces harmoniques, John Taylor fait merveille, installe une cadence onirique et mystérieuse dans le Générique des “400 coups”, brille dans celui de “L’ascenseur pour l’échafaud”, se montre romantique et tendre dans le Thème d’amour d’“Alphaville”. Jeanne Added interprète avec émotion les deux chansons qui lui sont confiées, Emile Parisien assurant les obbligatos, les commentaires au soprano. Le saxophoniste tient ici un discours inventif et sensible. Ses phrases lyriques, sa sonorité voluptueuse, veloutée évoquent le Wayne Shorter des grandes années. J’allais oublier le batteur, Fabrice Moreau. Il n’enferme jamais un tempo et aère constamment la musique.

Chanteur populaire, Nino Ferrer (1934-1998) fut aussi un amateur de jazz, de blues et de rhythm’n’blues, un fan de Louis Armstrong et de Ray Charles qui joua de la contrebasse au sein des Dixie Cats du batteur Richard Bennett et accompagna la chanteuse Nancy Holloway. Découvert avec Mirza (1966), Les Cornichons (1966) et Le Téléphon (1967), tubes dont le comique le fit abusivement classer parmi les humoristes, Nino Ferrer ne retrouva qu’occasionnellement la faveur du public. Publié en 1975, Le Sud fut un de ses derniers succès. Le père de Nino s’était lié d’amitié avec le grand-père maternel de Denis Colin. Le chanteur était pour lui une sorte de « cousin éloigné ». Il connaissait par cœur ses premiers disques et jouait Mirza à la flûte à bec. “Univers Nino” est donc l’hommage personnel que le clarinettiste rend à un amoureux de la musique, à un poète dont il nous fait redécouvrir les chansons. Confiant les parties vocales de l’album à la chanteuse (et claviériste) Bettina Kee, alias Ornette, à Diane Sorel qui assure les chœurs, donnant lui même de la voix dans La désabusion et L’arbre noir, Denis Colin réussit un opus festif et réjouissant, plus proche du rock que du jazz, ce qui importe peu tant la musique est bonne. Sous les doigts de Julien Omé, la guitare électrique y occupe une place importante. Moby Dick, Le blues des rues désertes en bénéficient. Car Denis Colin n’a nullement cherché à s’approcher des morceaux originaux. Il s‘en écarte avec des arrangements différents qui laissent de la place à des passages instrumentaux conséquents, lui-même assurant à la clarinette basse, instrument totalement absent des disques de Nino. Il nous fait aussi entendre des morceaux méconnus du chanteur, leur donne une vie nouvelle. On redécouvre ainsi The Garden, magnifié par la trompette d’Antoine Berjeaut, mais aussi L’arbre noir et La rua Madureira, chansons qui possèdent toutes des mélodies superbes.

Le titre de l’album annonce la couleur : Dominique Fillon se penche sur les musiques qu’il écoutait adolescent, lorsque la pop vivait ses grandes années et le jazz électrique ses plus belles heures. Se pencher n’est pas reprendre et le pianiste ne propose que des compositions originales qui sont aussi des clins d’œil, des hommages plus ou moins appuyés à des groupes ou à des musiciens qu’il apprécie. Where’s AJ, c’est bien sûr Ahmad Jamal et Dominique ne se prive pas de tremper son morceau dans le groove, de lui donner une tenue rythmique que son aîné n’aurait pas à désavouer. Car “Born in 68” déménage question tempos. Laurent Vernerey à la basse électrique, Jean-Marc Robin à la batterie et Fred Soul aux percussions assurent le swing. Au risque de tourner à vide, de devenir monotone, les compositions privilégient les thèmes riffs. Enrichies de motifs mélodiques, elles bénéficient surtout d’une large palette de couleurs. Claviers électriques, synthés, un piano acoustique tenant une place non négligeable, Dominique habille soigneusement ses morceaux, leur donne souffle et épaisseur. Il n’est d’ailleurs pas le seul soliste. Sylvain Gontard fait mouche à la trompette et au bugle, ornemente avec bonheur My Way to CA, une pièce lente et sensuelle, une des rares ballades de l’album. La présence du guitariste Yuji Toriyama dans deux morceaux apporte aussi beaucoup au disque. Omote-sando n’est pas sans évoquer certaines pièces de Pat Metheny, mais c’est Friends and More, la dernière plage, qui est la plus inoubliable avec sa guitare ancrée dans le blues et ses chorus de piano acoustique mémorables. On pense au Pink Floyd, à Santana, on savoure de plein fouet une musique heureuse qui fait toujours rêver.

-Vous n’avez pas attendu la mise en ligne de ce blog pour vous précipiter le 2 au New Morning. Kurt Rosenwinkel s'y produisait avec d’excellents musiciens : Taylor Eigsti (piano), Orlando Le Fleming (contrebasse) et Kendrick Scott (batterie). Le guitariste affectionne un jeu sinueux, cisèle des thèmes riffs qui s’inscrivent dans la tradition du bop et possèdent une grande complexité harmonique.

-Le 3 à 20h00, l’Olympia accueille le Pat Metheny Unity Group, une aubaine pour tous les fans du guitariste. Sa formation comprend Chris Potter aux saxophones, Giulio Carmassi aux claviers, Ben Williams à la basse et Antonio Sanchez à la batterie. “Kin”, leur dernier album, donne bien sûr envie d'écouter sur scène leur musique électrique.

-On s’accordera quelques heures de sommeil afin d’être frais et dispos le 4 pour Olivier Ker Ourio (harmonica) qui se produit au Café de la Danse. Avec lui, Emmanuel Bex (orgue Hammond), Matthieu Chazarenc (batterie) et Nicolas Moucazambo (percussions). Ces musiciens font merveille dans “Perfect Match” (Bonsaï records), un beau disque qu’Olivier a entièrement composé à la guitare.

-Deux soirs de suite, le 6 et le 7, Enrico Rava retrouvera au Sunside quelques amis musiciens. Baptiste Trotignon au piano, Darryl Hall, le plus « français » des américains de Paris à la contrebasse, et son vieux complice, le batteur Aldo Romano qui, comme lui, compose des mélodies solaires et raffinées. Le trompettiste fait chanter des notes tendres et délicates à son instrument, cisèle des pièces modales et lentes, paysages sonores dans lesquels il fait bon se trouver.

-Dominique Fillon au Duc des Lombards le 8 et le 10 pour fêter la sortie d’un disque électro acoustique particulièrement réussi. Autour du pianiste, Sylvain Gontard, trompettiste de ce nouvel opus, et une section rythmique réunissant Antoine Reininger à la basse et Francis Arnaud à la batterie. Influencé par Weather Report, le Pink Floyd et Ahmad Jamal, “Born in 68” (Cristal Records, sortie le 3 juin) contient des compositions originales et personnelles, possède de belles couleurs et des rythmes ancrés dans le groove. Je ne me lasse pas d’écouter sa dernière plage, Friends and More, une réjouissante merveille. Une des bonnes surprises de cette fin de printemps.

-Le premier album de Lucky Dog sur Fresh Sound New Talent en est une autre. On écoutera le groupe au Sunside le 10. Frédéric Borey (saxophone ténor), Yoann Loustalot (trompette et bugle), Yoni Zelnik (contrebasse) et Frédéric Pasqua constituent un quartet sans piano aux échanges particulièrement convaincants.

-On connaît mal Simona Severini, jeune chanteuse italienne originaire de Milan qui a étudié avec Tiziana Ghiglioni (une grande !) et donné ses premiers concerts avec le pianiste Giorgio Gaslini. Elle sera au Sunside le 14 pour mettre des mots sur les musiques d’Enrico Pieranunzi, le maestro en personne l’accompagnant au piano.

-Au Café de la Danse le 24, le contrebassiste et compositeur Stéphane Kerecki retrouve le pianiste John Taylor pour une relecture originale des musiques de films de la Nouvelle Vague. Emile Parisien (saxophone soprano) Fabrice Moreau (batterie) et la chanteuse Jeanne Added complètent la formation.

-Finaliste de la Thelonious Monk Competition l’année qui vit Cécile McLorin Salvant en triompher, Cyrille Aimée mérite d’être mieux connue. Née à Fontainebleau d’un père français et d’une mère détentrice d’un passeport de la République Dominicaine, la chanteuse passa son enfance à Samois-sur-Seine, l’île qu’habitait Django Reinhardt. Enregistré avec une contrebasse, une batterie et trois guitares, “It’s a Good Day”, son premier disque pour une major sort en France le 1er juillet. On pourra l’écouter au Duc des Lombards le 24 juin avec Adrien Moignard et Michaël Valeanu (guitares), Sam Anning (contrebasse) et Rajiv Jayaweera (batterie).

-Deux concerts pour le pianiste Tord Gustavsen au Sunside le 27 (20h00 et 22h00). Enregistré avec Tore Brunborg (saxophone ténor), Mats Eilertsen (contrebasse) et Jarle Vespestad (batterie), quartette que vous découvrirez à Paris, “Extended Circle” achève une trilogie inspirée par de vieilles chansons populaires de Norvège et des hymnes protestants, la musique d’église restant la principale source d’inspiration d’un pianiste qui privilégie la mélodie, les moments tranquilles et intimistes. Avec peu de notes et un immense lyrisme, le pianiste norvégien exprime l’essentiel. Un des évènements incontournables de ce début d’été.

-Le même soir (malheureusement), Zool Fleischer, pianiste rare qui ne fait guère parler de lui, se produit sur l’Improviste, péniche toujours amarrée quai d’Austerlitz. Frédéric Borey (ténor et soprano) et Denis Leloup (trombone) offrent à sa musique une instrumentation originale. Les rythmes proviennent du piano, instrument percussif autant que mélodique que Zool, coutumier des miracles, dompte et manipule comme s’il avait mille doigts.

-À l’Olympia le 28, George Benson interprétera ses plus grands succès. À la Cigale le 30, le guitariste (et chanteur) centrera son répertoire autour de l’album “Guitar Man”, un disque de 2011 dans lequel il pratique un subtil mélange des genres, reprend des thèmes des Beatles (I Want to Hold Your Hand) et de Stevie Wonder (My Cherie Amour) et des standards de l’histoire du jazz (Tenderly, Danny Boy).