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Dans cet enregistrement en quartette, John Abercrombie se penche sur son passé de guitariste, revient sur l’époque où son intérêt pour le jazz détermina sa vocation artistique. Né en 1944, il joue d’abord du rock and roll, le jazz entrant un peu plus tard dans sa vie avec Barney Kessel et Tal Farlow. Élève de la Berklee School of Music dans les années 60, il découvre Jim Hall qui deviendra sa principale influence. Celui-ci joue alors avec Sonny Rollins. Après une retraite de près de deux ans, le saxophoniste a fait paraître “The Bridge”, album de la sérénité retrouvée, Hall répondant par de petites phrases élégantes et raffinées à la force tranquille du ténor. Une révélation pour Abercrombie qui reprend ici les deux premiers titres de ce disque mythique : Where are you, une ballade somptueuse que Joe Lovano illumine, et Without a Song, un thème lui inspirant Within a Song qui donne son titre à l’album. L’ombre tutélaire de Jim Hall plane constamment sur ce disque. Il contient Sometime Ago qu’il jouait souvent avec Art Farmer lorsqu’il était le guitariste de son quartette, un thème inclu dans “Interaction”, un album Atlantic du trompettiste. Abercrombie et Lovano en donnent une version délicate, ce dernier prenant le temps de faire chanter à son saxophone ténor des phrases chaleureuses et mélodiques. Autre pièce associée à Jim Hall, Interplay, un blues en mineur, donne son titre à un célèbre disque de Bill Evans dans lequel Hall tient la guitare. Les années 60 pour John Abercrombie, c’est aussi la découverte tardive de “Kind of Blue”, occasion de relire de manière très originale Flamenco Sketches, de lui apporter une progression harmonique différente. Ornette Coleman et John Coltrane comptèrent également beaucoup dans son évolution. Du premier, il reprend Blues Connotation, un extrait de “This is Our Music” qui permet une grande liberté avec les barres de mesures, Abercrombie choisissant d’installer un tempo flottant avec sa section rythmique – Drew Gress à la contrebasse et Joey Baron à la batterie, tous deux excellents. Du second, Wise One a sa préférence. On le trouve dans “Crescent”, disque moins connu que “Ballads” ou “A Love Supreme”, mais qui reste l’un des fleurons de la période Impulse ! de Coltrane. John l’étudia à Boston. Il lui donne des couleurs modales, le ténor y développant un chorus magnifique. Easy Rider, une valse, un hommage au film que Dennis Hopper réalisa en 1969 complète cet album new-yorkais du guitariste, l’un de ses plus attachants.         

Avril ne te découvre pas d’un fil. Cette vieille maxime s’est une fois encore vérifiée. Il a même plu abondamment. Les champignons prolifèrent sous les arbres qui bourgeonnent et sortent leurs premières feuilles. Les disques ne fleurissent pas sur nos prés verdoyants, mais se parent eux aussi de couleurs printanières. Ceux dont je souhaite vous entretenir ne présentent aucun danger, se consomment sans appréhension. Comme promis, j’ai goûté pour vous ces nourritures célestes. Vincent Bourgeyx, Carlos Maza, Laurent de Wilde, Philippe Le Baraillec ont des choses à dire et le disent bien. Je ne sais trop s’ils écoutent les invisibles anges gardiens qui les inspirent, mais leurs albums me remplissent de joie. Puissent-ils agir sur vous comme de puissants viatiques et réchauffer notre printemps.

Vincent BOURGEYX : “HIP” (Fresh Sound New Talent / Socadisc)

J’ai découvert tardivement la musique de Vincent Bourgeyx. Le pianiste avait publié deux albums, lorsque  “Again“, son troisième, fit battre mon cœur et mes oreilles. Ses relectures de standards témoignaient de choix harmoniques judicieux et ses thèmes marqués du sceau de la tradition révélaient un compositeur habile. En trio avec Pierre Boussaguet à la contrebasse et André Ceccarelli à la batterie, il publie aujourd’hui un nouvel album qui m’enchante. L’écouter, c’est ouvrir une grande fenêtre sur des parterres de fleurs odorantes. On y découvre des versions inventives de Daahoud, Prelude to A Kiss et de plusieurs standards, le pianiste balayant l’histoire du jazz dont il possède une réelle culture. Diplômé du fameux Berklee College of Music de Boston, il trempa son piano dans le blues et le swing auprès du tromboniste Al Grey et l’écoute des disques d’Oscar Peterson fut déterminante sur sa vocation. Ses compositions soulèvent également l’enthousiasme. Shoes Now doit beaucoup à Monk. Le thème de Blue Forest nourrit une improvisation raffinée pleine de swing et de surprise. Dans sa jeunesse, Vincent prit des leçons de piano classique avec Françoise Hougue, une élève d’Yves Nat, et sa musique est également marquée par la tradition européenne du piano – For Françoise, Renaissance et In the Wee Small Hours of the Morning dans lesquels Pierre Boussaguet s’offre de beaux chorus mélodiques. Car Vincent Bourgeyx est aussi un musicien romantique qui fait danser ses notes, fussent-elles abondantes. Ne manquez pas la pièce cachée, une version émouvante de Over the Rainbow. 

Carlos MAZA : “Descango Del Saltimbanqui” (La Buissonne / Harmonia Mundi)

Riche d’une quinzaine d’albums depuis “Donde Estoy ?”, son premier en 1993, la discographie de Carlos Maza n’est pas parvenue à le faire connaître à un large public. La France, Cuba (sa seconde patrie), l’Espagne, le Portugal l’ont tour à tour accueilli. Né au Chili dont il a fui enfant la junte militaire, Maza est un voyageur qui ne sait trop où se poser. De nombreux labels abritent sa musique, mélange de classique, de jazz, synthèse de plusieurs cultures que nourrissent les traditions populaires de l'Amérique latine. Compositeur, orchestrateur et poly-instrumentiste (il joue de la flûte, du charango, des percussions), Maza stupéfie surtout par une guitare (10 cordes) et un piano inouïs, une virtuosité qui, loin d’être gratuite, est l’expression même de sentiments profonds. Dans “Descango Del Saltimbanqui”  (le repos du saltimbanque), Maza ne joue rien d’inutile. Gérard de Haro qui a enregistré plusieurs de ses disques, a merveilleusement saisi ses instruments, comme si, vivants et autonomes, ils parlaient cordes et âmes. Ce n’est pas la première fois qu’il enregistre en solo. Pour OWL Records, Jean-Jacques Pussiau lui fit graver le très beau “Nostalgia” en 1994, disque influencé par Egberto Gismonti dans lequel il utilise les deux mêmes instruments. Ici, Maza éblouit davantage par la richesse de sa musique (harmonies, couleurs, jeux d’ombres et de lumières) que par sa technique et son art se fait plus personnel. Le concertiste met une bonne dose de tendresse dans ses notes abondantes et exprime l’essentiel.

Laurent de WILDE : “Over the Clouds” (Gazebo / L’Autre Distribution)

Laurent de Wilde n’avait pas enregistré du jazz acoustique en trio depuis 2006. Préférant confier sa musique à diverses machines, il nous a fait attendre, donnant toutefois de nombreux concerts derrière les murs de la rue des Lombards. Dans “Over the Clouds”, il retrouve Ira Coleman, bassiste déjà présent dans plusieurs de ses disques. A la batterie Clarence Penn, muscle la musique, le rythme occupant une place non négligeable dans les nouvelles compositions de Laurent. Celle qui donne son nom à l’album est une des plus réussies. Son thème est superbe. Son balancement aussi. Préparé à la patafix, le piano sonne comme un balafon et donne un aspect africain à sa musique, la pare de couleurs inédites. “Over the Clouds” contient des morceaux très variés. J’ai mes préférences, mais le disque regorge de bonnes idées, de trouvailles, tant rythmiques que mélodiques. Dans Irafrica co-écrit par Laurent et Ira, ce dernier joue un ostinato de basse avec une croche de retard ce qui lui donne un rebond rythmique. Il utilise une basse électrique dans le très chaloupé Fe Fe Naa Efe, Jérôme Regard à la contrebasse et Laurent Robin à la batterie s’ajoutant au trio. Prelude to a Kiss d’Ellington bénéficie d’un traitement délicatement funky bien que le rythme se renforce dans la partie centrale du morceau. Le pianiste sait lui aussi jouer le blues. Il aère alors ses notes et les fait magnifiquement sonner. Pas besoin d’en produire trop pour faire chanter un piano. Contre la déprime, et le mal aux oreilles, il nous propose Le bon médicament, une ballade toute simple et très belle. Et ça marche, n’en déplaise aux amateurs de pilules vendues sur ordonnance. Nous connaissons le pianiste, nous découvrons un bon prescripteur de médecines douces. Qu’il en soit remercié.

Philippe LE BARAILLEC “Involved”  (Out Note / Harmonia Mundi)

Avec la permission de Jean-Jacques Pussiau, je reproduis des extraits du texte de pochette de l’album. Un emprunt certes, mais à moi-même puisque j’en suis l’auteur.

Philippe Le Baraillec enseigne, mais fait peu de concerts et de disques. “Involved » est donc un cadeau qu’il nous offre. On y retrouve ce qui rend précieux sa musique : un toucher élégant dont les ondes pénètrent et se propagent au plus profond de l’âme, un sens de l’espace qui permet la surprise, mélodie, rythme et harmonie habitant ses silences. Mauro Gargano à la contrebasse et Ichiro Onoe à la batterie échangent et dialoguent, interaction féconde née de l’écoute, du désir d’embellir, de rendre palpable les idées de l’autre. Avec eux rêve un saxophoniste avec lequel Philippe tenait beaucoup à partager. Originaire de Saint-Louis (Missouri), Chris Cheek laisse intensément respirer la phrase musicale. Ténor à la sonorité suave, il affirme son lyrisme dans War Photographer (dédié à James Nachtwey) et souffle de petites notes arc-en-ciel qui pigmentent son discours onirique. On est frappé par la sensualité des chorus qui illuminent 10th of September et Iceberg, deux ballades dans lesquelles resplendit l’art d’un pianiste qui peint avec les doigts. Symphonie de couleurs subtilement agencées qu’offrent toutes sortes de bleus, du plus pâle à celui de minuit, les visions de Philippe Le Baraillec s’écoutent aussi avec les yeux. Reflets d’une sensibilité vive, à fleur de peau, ses lignes mélodiques n’oublient jamais le blues et traduisent une fêlure, une blessure invisible qui confère de la grandeur à une musique dont les harmonies sont d’une profonde acuité poétique. En témoigne La Toupie, seule pièce en solo de l’album, celle qui semble le mieux traduire la vérité de son chant intérieur.

Peinture de Girolamo dai Libri (1474-1555) : "Madonna and Child with Saints" (détail). Metropolitan Museum of Arts (NYC).

VENDREDI 6 avril

Stacey Kent aime la France, sa langue, sa culture. Avant d’émigrer aux Etats-Unis, son grand-père paternel avait habité Paris. De lui, la chanteuse a hérité son amour du français qu’il lui apprit à parler, qu’ils adoptèrent entre eux. Elle-même vécut un moment à Paris. Après La Cigale en mai 2011, salle dans laquelle elle enregistra un album live, l’Olympia l’accueillait le 6 avril. C’est un peu loin pour en parler, mais la chanteuse a rarement les honneurs de ce blog. Il faut dire que depuis le très réussi “Breakfast on the Morning Tram” elle délaisse le jazz au profit de la chanson française et de la musique brésilienne. Son avant-dernier disque, “Raconte -moi”, est un recueil de chansons françaises jazzifiées, certaines anciennes (L’étang de Paul Misraki), d’autres écrites à son intention par de jeunes auteurs.

L’autre passion de Stacy Kent c’est la bossa-nova, les mélodies d’Antonio Carlos Jobim, de Vinicius de Moraes qu’elle interprète avec ferveur comme si elle venait juste de les découvrir. Aguas de Março, Corcovado, How Insensitive et The Girl from Ipanema figurent aujourd’hui en bonne place dans son tour de chant. Sa voix me fait penser à celle de Blossom Dearie qui, espiègle, minaudait pour séduire. Stacey fait de même, mais avec naturel, la spontanéité remplaçant la malice. Elle interpelle souvent le public, le charme par sa naïveté, sa fraîcheur, l’affection qu’elle lui témoigne. Elle s’habille comme une petite fille modèle, ressemble à Julie Andrews dans “La mélodie du bonheur”. Conquise, l’oreille suit une voix sensible au timbre agréable, apprécie une diction impeccable. Stacey chante en français avec le soupçon d’accent qui attire. Outre le répertoire de Jobim, elle reprend Ces petits rien de Serge Gainsbourg, Sait-on Jamais ? une jolie chanson de Camille d’Avril pour les paroles et de Jim Tomlinson pour la musique, Breakfast on the Morning Tram (le texte est de Kazuo Ishiguro), et Samba Saravah adaptation par Pierre Barouh d’une chanson de Vinicius.

Un peu raides dans leurs costumes bien coupés, ses musiciens swinguent avec élégance sans jamais faire de vagues. Parmi eux, Jim Tomlinson, le mari de Stacey, compose, arrange les morceaux, prend des chorus de ténor très lisses qui sonnent comme du Stan Getz, et improvise au plus près des mélodies que chante son épouse. Tout cela est propre, sans aspérités. On souhaiterait un peu plus de folie et de risque dans ce répertoire sur mesure qui s’écarte du jazz. You’d Be So Nice to Come Home To de Cole Porter fut l’un des seuls standards de la soirée. C’est peu pour une chanteuse qui peu de temps après son installation à Londres (Stacey Kent est américaine) fut celle du big band du Ritz Hotel. Si le "Great American Songbook" a aujourd’hui moins sa faveur, on ne s’ennuie pas une seconde, bercé par des mélodies aguichantes et le charme d’une voix.

MARDI 17 avril

Chick Corea et Gary Burton Salle Pleyel. Les deux hommes n’ont pas cessé de se fréquenter depuis le début des années 70. Lorsque Manfred Eicher, directeur de la jeune maison de disques ECM suggéra à Corea de former un duo avec lui, Chick s’empressa d’accepter. Pour le label munichois, le pianiste avait déjà enregistré deux disques en solo, un en trio avec Dave Holland et Barry Altschul, et un avec son groupe, Return To Forever qui contient la première version de Crystal Silence. Il connaissait et appréciait Gary Burton, de deux ans son cadet, l’avait naguère remplacé dans le quartette de Stan Getz et admirait son jeu novateur au vibraphone. Lionel Hampton et Milt Jackson ne régnaient plus sans partage sur l’instrument depuis que Burton en avait amélioré les capacités harmoniques. Se servant simultanément de quatre mailloches, il accompagnait ses propres chorus, et construisait des improvisations d’une grande richesse polyphonique. En 1972, Burton et Corea enregistrèrent à Oslo, “Crystal Silence”, le plus fameux de leurs disques. Il scella une amitié qui perdure, puisque quarante ans plus tard, nos duettistes qui ont gravés ensemble sept albums prennent toujours autant de plaisir à donner des concerts. Leur nouvelle tournée est destinée à promouvoir “Hot House”, un opus qui, contrairement aux précédents, ne contient que des standards. Seule et notable exception, Mozart Goes Dancing, une composition de Corea dans laquelle interviennent les cordes du Harlem String Quartet.

A Pleyel, Chick Corea et Gary Burton jouèrent une bonne partie de l’album, mais aussi des extraits de “My Spanish Heart” (Love Castle, son ouverture), et les inévitables Crystal Silence et La Fiesta, les espagnolades allant bon train sous les doigts du pianiste qui, malgré son tonus, se contenta souvent de poser les rythmes, des accords percussifs. S’il improvisa, et de façon brillante dans La Fiesta, faisant sonner les basses puissantes qui rythme le morceau, Corea assura souvent un simple balancement rythmique à un Burton éblouissant qui exposait les thèmes, chargeait ses chorus de notes scintillantes et fluides, le vibraphone prenant le dessus sur le piano. Les échanges acrobatiques furent nombreux, les deux hommes anticipant pour une fertile mise en couleurs de leurs idées mélodiques. Can’t We Be Friends associé au grand Art Tatum, Hot House et ses progressions d’accords trempées dans le bop, nourrirent leurs dialogues virtuoses, Strange Meadow Lark de Dave Brubeck et Chega de Saudade, pièce d’Antonio Carlos Jobim décidément très à la mode, révélant la riche palette harmonique de nos duettistes, le lyrisme de leurs ébats complices.

LUNDI 23 avril

La foule pour le charismatique Bobby McFerrin qui avait rendez-vous avec son public dans un Théâtre du Châtelet archi-comble. Le public parisien n’a pas oublié son duo improvisé avec le ténor Placingo Domingo en 2009, ni le magnifique concert qu‘il donna l’année suivante à l’occasion de la sortie de “VOCAbularieS” qui reste son disque le plus récent. Le chanteur ne sait jamais par quoi commencer ses prestations a capella. Il choisit une note et improvise, ce qui lui permet de juger sa voix, son souffle. Les yeux clos, il commença par une longue et enveloppante modulation rythmée par le martèlement de sa cage thoracique.

L’homme est un orchestre à lui seul. Il a étudié de nombreux instruments et en reproduit les timbres avec sa voix. Tel un bushman, il utilise sa langue, sa bouche, ses lèvres, ses joues pour sculpter une musique qui relève aussi bien du chant indien, que de l’Afrique, la sanza de Paco Séry apportant une couleur africaine aux improvisations vocales du chanteur. La maîtrise du souffle reste l’assise de son travail, une expression musicale portée par une profonde spiritualité, chanter étant pour lui une manière de prier.

Conviant de courageux anonymes à le rejoindre sur scène pour partager des duos avec lui, McFerrin chanta le Sweet Home Chicago de Robert Johnson, et invita Thomas Dunford (À 2 Violes Esgales, The Irish Baroque Orchestra) à l’accompagner au théorbe. Marie-Claude Pietragalla dansa sur une mélopée au rythme ondulant comme le blé sous le vent. Se transformant en chef d’orchestre – il en étudia la direction avec Leonard Bernstein et Seiji Osawa – , et avec la complicité du public dont il mit les voix à contribution, McFerrin installa un vaste choeur polyphonique et appela à rythmer la musique par des claquements de langues. Un grand et émouvant moment survint lorsque la salle reprit l’Ave Maria de Gounod que le chanteur avait fredonné. Sa prestation se termina par la formation d’une chorale improvisée sous des applaudissements enthousiastes.

Photos © Pierre de Chocqueuse    

Malgré le manque de pluie, les disques poussent comme des champignons, le printemps nous en apportant autant qu’en automne. Leur cueillette n’est pas sans dangers. On les écoute avec prudence, de la musique vénéneuse pouvant vous expédier fissa à l’hôpital. Monsieur Michu en fit les frais en décembre. On ne prend aucun risque avec les nouveaux opus de Brad Mehldau et Ahmad Jamal, musiciens confirmés qui font le plein de concerts. Moins médiatisés, Marc Copland, Guillaume de Chassy, Carlos Maza, Laurent de Wilde, Vincent Bourgeyx, Philippe Le Baraillec remplissent de moins grandes salles, mais leurs disques, aussi comestibles que les cèpes et les bolets royaux du Bon Dieu, se consomment sans modération. Le blogueur de Choc qui a goûté avec ses oreilles ces nourritures célestes préfère vous en rendre compte en deux temps. Deuxième service courant mai. Bon appétit !

-Ahmad JAMAL : “Blue Moon” (Jazz Village / Harmonia Mundi)

J’ai failli oublier cet album du pianiste publié à peu près à la même date que le dernier concert qu’il donna au Châtelet (lire “Des visiteurs très attendus”, mis en ligne le 13 février). Il est pourtant très réussi, meilleur que “A Quiet Time”, un bon disque dont la musique ronronne un peu. “Blue Moon” ne la renouvelle pas, mais Ahmad Jamal change de bassiste et lui donne une dynamique nouvelle qui la rend plus excitante. Attentive, sa section rythmique comble les silences de son piano orchestral, installe une tension qui profite à jeu félin. Omniprésent aux percussions, Manolo Badrena y occupe un poste clef. Reginald Veal le nouveau bassiste et Herlin Riley le batteur officient avec la précision d’un métronome. Les morceaux plus longs favorisent l’hypnose rythmique et c’est en toute quiétude que Jamal joue des cascades d’arpèges, plaque des accords inattendus ou de gracieuses notes perlées. Si I Remember Italy tourne un peu en rond, Blue Moon et Invitation s’imposent dans la durée. Gypsy, une des nouvelles compositions du pianiste, semble bien difficile à jouer, mais Jamal reprend avec bonheur Autumn Rain, un de ses anciens morceaux, et démontre avec Laura qu’il est toujours capable d’apporter un nouveau souffle à un standard, fut-il le plus rabâché.

-Guillaume DE CHASSY : “Silences” (Bee Jazz / Abeille Musique) 

De la musique de chambre jouée par un trio réunissant Guillaume de Chassy au piano, Thomas Savy à la clarinette et Arnault Cuisinier à la contrebasse. Au programme, quelques compositions collectives, mais aussi des adaptations de pièces écrites par Francis Poulenc, Serge Prokofiev , Franz Schubert, Dmitri Chostakovitch, le trio parvenant à faire le lien entre le jazz et l’héritage européen de la musique. Pour des raisons acoustiques (la réverbération importante du lieu), les musiciens ont évité de trop charger de notes les pièces qu’ils interprétaient, cette contrainte leur donnant une grande respiration. Bien que partiellement improvisées, ces "extensions mélodiques" ne relèvent pas vraiment du jazz ce qui ne leur empêche pas d’être profondes et créatives. Enregistrée dans le vaste réfectoire de l’abbaye de Noirlac, cette musique apaise par ses nombreux silences, ses notes rares et précieuses. On y entend un piano aussi économe qu’inspiré, une clarinette chantante, une contrebasse aussi discrète que bienvenue. On y trouve certes des cadences, mais sans pesanteur, aussi légères qu’un pollen printanier. En solo, Guillaume magnifie la musique d’“Adieu Chérie”, un film léger et amusant de Raymond Bernard (1945). Il est sans doute le seul pianiste de jazz à connaître Wal Berg (Voldemar Rosenberg) qui en signa la partition.

-Brad MEHLDAU : “Ode” (Nonesuch / Warner)

Donnant de nombreux concerts en solo ou en duo, Brad Mehldau (attendu en juin à Paris avec Joshua Redman) a fait peu d’albums avec Larry Grenadier à la contrebasse et Jeff Ballard à la batterie, ce dernier remplaçant depuis 2005 Jorge Rossy batteur de son premier trio. “Day is Done”, un disque en studio de 2005, et un double live gravé au Village Vanguard l’année suivante, se voient aujourd’hui complétés par “Ode”, un recueil de compositions originales enregistrées en novembre 2008 et en avril 2011. Il est toutefois difficile de distinguer quelles sont les plus récentes de ces pièces qui bénéficient d’une même unité stylistique. S’il innove moins que lors de ses concerts en solo, le pianiste s’accommode parfaitement d’une contrebasse mobile qui impose ses propres lignes mélodiques et d’une batterie haletante qui précipite le rythme de la musique. Avec Ballard, on est loin du chabada traditionnel, mais plus près du rebond, son jeu foisonnant donnant relief et souplesse à la phrase musicale. C’est donc sur un tapis rythmique très fourni que le pianiste tire parti de son jeu ambidextre, trempe ses improvisations dans le blues – 26, Bee Blues – ses thèmes, parfois très simples, nourrissant d’amples développements. De quelle manière improviser à partir d’une structure mélodique ? C’est à cette question que répond collectivement le trio qui invente une musique vivante, ouverte, et parvient à la rendre constamment passionnante.

-Marc COPLAND : “Some More Love Songs” (Pirouet / Codaex)

Sept ans après avoir enregistré sept morceaux sous le titre de “Some Love Songs”, Marc Copland en reprend sept autres dans “Some More Love Songs”, et les joue avec Drew Gress à la contrebasse et Jochen Rückert, section rythmique déjà présente à ses côtés en 2005. Émergeant de sa mémoire, ces pièces se sont imposé naturellement au pianiste, comme si elles avaient choisi leur interprète. Ce dernier traduit avec ses propres harmonies les sensations qu’elles lui suggèrent et nous en offre des versions très personnelles. Il diffracte ses notes, les rend liquides, aussi transparentes que du verre. Un soin extrême est apporté à leurs couleurs, à leur résonance. Le pianiste les allonge ou les contracte, apporte les plus subtiles nuances à ses harmonies flottantes. Sa version onirique de I’ve Got You Under My Skin n’a pas grand chose à voir avec celle de Frank Sinatra. My Funny Valentine et I Remember You que reprit Chet Baker sont abordés sur des tempos inhabituellement rapides. La contrebasse ronde, enveloppante de Drew Gress y fait merveille. Les autres thèmes sont des ballades. Marc Copland enregistre souvent les mêmes thèmes et I Don’t Know Where I Stand de Joni Mitchell apparaît dans “Alone”, un disque en solo de 2009, son meilleur album avant celui-ci.

Bandeau : Rosso Fiorentino (1495-1540) "Ange Musicien" (détail) - Florence, musée des Offices.   

Trois enregistrements de Chick Corea ont été publiés récemment. Œuvre ambitieuse et en partie écrite, “The Continents” rassemble un quintette de jazz et un orchestre de chambre. Enregistré live au Blue Note de New York en 2010, “Further Explorations” fait entendre le pianiste avec le bassiste Eddie Gomez et le batteur Paul Motian. Enfin “Hot House” marque le 40^ème anniversaire de son association avec le vibraphoniste Gary Burton.

Si certaines compositions de Chick Corea sont aujourd’hui célèbres, ses arrangements sont loin de toujours faire l’unanimité. Le pianiste a écrit des œuvres très variées, se laissant parfois aller à la facilité pour plaire à un large public. Ses orchestrations révèlent toutefois un musicien habile à associer les diverses sections d’un orchestre, à donner à sa musique des couleurs chatoyantes. Enregistrés dans les années 70 et malgré des arrangements soignés, “The Mad Hatter”  et “My Spanish Heart – son disque le plus personnel – , furent mal accueillis par la critique. Plus près de nous, “The Ultimate Adventure” qui combine habilement espagnolades et flamenco passa inaperçu. Certes, Corea s’égare parfois. Son “Concerto pour piano et orchestre“ en trois mouvements relève de la musique classique européenne, tout comme son “Septet” gravé pour ECM en 1984.

Le pianiste en a tiré les leçons. Dans “The Continents” que publie le label Deutsche Grammophon, il a la bonne idée de faire jouer un quintette de jazz avec l’orchestre de taille moyenne auquel il confie sa musique. Ce dernier est parfois trop présent dans ce concerto en six mouvements d’une durée supérieure à soixante-dix minutes. Les velléités du compositeur classique se manifestent surtout dans Africa, pièce clinquante qui introduit brièvement les musiciens du quintette, Antartican’évitant pas certaines lourdeurs orchestrales. Mieux équilibré, Australia met en valeur la section rythmique – Hans Glawischnig (contrebasse), Marcus Gilmore (batterie) – , et Asia, une belle page d’écriture pour cordes, contient des chorus stimulants. Tim Garland (saxophone soprano, clarinette basse, flûte) et Steve Davis (trombone) improvisent à tour de rôle dans Europe et America, le continent américain inspirant au pianiste une musique latine aux rythmes chaloupés, aux arrangements légers et élégants. Se réservant de nombreuses parties de piano, Corea dialogue avec l’orchestre dans Australia, et avec une étonnante clarinette basse dans Antartica. Les quatre premières plages du second disque ont été jouées spontanément en studio. Lotus Blossom, Blue Bossa et Just Friends fournissent un matériel thématique conséquent. Des improvisations en solo les complètent. Chick fait alors ses gammes, virevolte de note en note tel un papillon qui ne sait trop où se poser. Ces pièces abstraites, sans réelles directions mélodiques, lassent un peu.

On leur préférera sans hésiter “Further Explorations” avec Eddie Gomez et Paul Motian. Un choix qui n’est pas dû au hasard. Gomez fut pendant onze ans (1966-1977) le contrebassiste de Bill Evans et Motian le batteur du prestigieux trio qu’Evans constitua avec le bassiste Scott LaFaro. Dans cet enregistrement live consacré aux compositions du pianiste mais aussi à son répertoire, Chick Corea joue son meilleur piano et nous livre l’un de ses albums les plus réjouissants. Il en a déjà consacré des albums à des pianistes qui l’ont influencé – Thelonious Monk dans “Trio Music”, Bud Powell dans “Remembering Bud Powell” – , mais Evans a notablement marqué son jeu pianistique et reste le modèle incontournable. Enregistré en 1968, “Now He Sings, Now He Sobs”, son premier disque, témoigne de son écoute. Proche d’Evans par ses choix harmoniques, son tempérament romantique, il l’est aussi de Powell, par son piano vif et percussif, les accords qu’il frappe avec une précision toute rythmique. Difficile ici de mettre en avant un morceau plus qu’un autre, les meilleurs moments de deux semaines de concerts nous étant proposés. En grande forme, Corea joue des harmonies recherchées, introduit They Say That Falling in Love is Wonderful par un délicat rubato. Gloria’s Step fascine par son approche non linéaire. Les notes mélancoliques de Laurie, morceau composé par Evans quelques mois avant sa mort, ruissellent de tendresse. Lorsqu’il n’improvise pas ses propres lignes mélodiques derrière le piano, Eddie Gomez dialogue avec Chick, commente, répond à ses questions. La prise de son écrase un peu les rondeurs de l’instrument dans Peri’s Scope, mais le bassiste virtuose fait chanter ses harmoniques, notamment dans Alice in Wonderland, Diane, Hot House, prend quelques mirifiques chorus (Very Early), et utilise l’archet dans Turn Out the Stars, But Beautiful et Mode VI, une pièce lente, onirique de Paul Motian. Le batteur colore, assure des tempos souples à métrique variable, le groupe vagabondant souvent dans des chemins de traverse. Corea apporte plusieurs compositions dont Bill Evans, une pièce aux harmonies évanescentes, son hommage personnel au pianiste.

L’amitié qui unit Chick Corea à Gary Burton remonte au début des années 70 lorsque Manfred Eicher, le directeur d’ECM suggéra à Corea l’idée d’un duo avec Burton. Chick avait remplacé Gary dans le quartette de Stan Getz et appréciait son travail polyphonique novateur au vibraphone. Enregistré à Oslo, “Crystal Silence”, le plus fameux de leurs disques, date de 1972. Depuis, nos duettistes se sont souvent retrouvés pour des concerts et des enregistrements. Ils se connaissent si bien qu’ils parviennent à anticiper les accords qu’ils vont jouer, leur musique atteignant ainsi une fluidité remarquable. Si leurs six albums précédents contiennent surtout des compositions du pianiste, “Hot House” ne renferme presque exclusivement que des standards, pain béni pour les deux hommes qui aiment coller leurs propres harmonies sur les thèmes qu’ils affectionnent. On trouvera donc affranchis de toute pesanteur et revêtus d’habits cristallins Light Blue de Thelonious Monk, Chega de Saudade et Once I Loved d’Antonio Carlos Jobim, Strange Meadow Lark de Dave Brubeck, nos complices faisant preuve d’éclectisme en ajoutant Eleanor Rigby à leur répertoire. Il s’offrent même les cordes du Harlem String Quartet dans Mozart Goes Dancing, composition de Corea qui nous donne un avant-goût de la musique que les deux hommes comptent jouer en concert en 2013.

-Chick COREA : “The Continents, concerto for jazz quintet & chamber orchestra” (Deutsche Grammophon / Universal)

-Chick COREA, Eddie GOMEZ, Paul MOTIAN : “Further Explorations” (Concord / Aurélia Distribution)

-Chick COREA & Gary BURTON : “Hot House” (Concord / Universal)

Chick Corea et Gary Burton se produiront en duo à Pleyel le 17 avril.

Photo Chick Corea © Pierre de Chocqueuse.